Als ich in der Schule war – so ungefähr Mittelstufe – las die Parallelklasse im Deutschunterricht Sibylle Bergs Erstling „Ein paar Leute suchen das Glück und lachen sich tot“.
Während in meiner Klasse Effi Briest durchgenommen wurde, las ein Viertel meines Jahrgangs ein Buch, erschienen 1997.
Da es aber einen regen Austausch im Jahrgang gab, und ich in den 5-Minuten- und der „Großen“-Pause Gespräche über dieses komische, nicht-klassische Buch mitbekam, lieh ich mir eine Ausgabe aus.
Das Buch war gut. Wirklich gut. Es ist gegenständlich geschrieben, was immer das auch genau heißen mag (aber es stimmt). Die Geschichte, bzw. das Kaleidoskop der Geschichten die im Buch angerissen werden, handeln von alltäglichen Dingen und doch vom Großen-Ganzen! Es geht um Einsamkeit. Ich mag dieses Thema. Einsamkeit bewahrt uns vor dem Wahnsinn des „Zuviel“. Alleine sein ist wichtig. Es regelt die Selbstwahrnehmung, lässt uns auf uns hören.
Einsamkeit ist anstrengend, bitter und kommt mit einem ewigen Kampf, die Einsamkeit wieder loszuwerden. Es ist ein guter Kampf.

Sibylle Berg schreibt mittlerweile für SPIEGEL ONLINE. Eine Kolumne. Natürlich. Weil „echte“ journalistische Arbeit zu anstrengend wäre. Weil der Kommentar, der kleine Bruder von allem ist – ich weiß wovon ich rede. Der Kommentar ist das Kompensat der Einsamkeit von einsamen Menschen. (Oh ja. Das will ich auf einem T-Shirt!)
Nun hat Sibylle Berg über Katja Riemann geschrieben. Über den Aussetzer von Riemann in einer Talkshow und darüber das die Medien ja etwas hassen müssen. Hassen für die Masse. Weil die Masse sich empören, aufregen und den Kopf schütteln will. Weil die Masse neidisch sein will. Neidisch ist.
Was für ein gequirlter Scheiß. Natürlich wollen wir uns aufregen, natürlich sind wir neidisch. Wir alle, auf alle.
Der erste Schritt eines Menschen, aus der Höhle heraus, war ein forschender Schritt: Was ist hinter dem nächsten Hügel? Warum geht die Sonne unter? Was sind das für Punkte am Nachthimmel? Und natürlich auch: Warum hat der da Feuer und ich nicht? Das will ich auch! Warum wohnt der in einem Zelt und ich nur in einer dreckigen Höhle? Das mach ich jetzt auch!
Wir sind neidische Wesen. Ich bin kein Pessimist, aber wir sind alle von Neid getrieben. Wahrscheinlich war es Neid, der Katja Riemann ein „Star“ werden lies. Und „Neid“ ist es, der sie ein Star sein lässt. (Was ist das überhaupt: Ein „Star“? Klingt so wie ein Schimpfwort. Keiner will ein „Star“ werden, oder? Und wenn ja, hat er es doch verdient dafür gehasst zu werden. Jedenfalls sollte ihm das klar sein. Es schwingt im Titel mit. So wie „Models“. Kann ich auch nicht leiden.)
Nur weil die „Masse“ neidisch ist, kriegt Katja Riemann die Gagen, die sie bekommt. Und jetzt ist das schlecht?
Darstellende Künste sind nun mal darstellend, sonst würde Riemann zuhause sitzen und für sich alleine spielen. Wenn ich schreibe und es nicht veröffentliche, nicht blogge oder Bücher schreibe und Verlage finde die es drucken, dann kann dass Kunst sein. Aber es ist keine darstellende Kunst. Für die Darstellung brauche ich das Publikum, egal wie groß es auch sein mag. Dies ist der Vertrag.
Der Fernsehmonteur montiert. Das ist sein Job. Dafür wird er bezahlt. Der Darsteller, stellt dar. Darstellen heißt: Er stellt sich dem Publikum (cleverer Wortwechsel, ha?). In all seiner Form.

Sibylle Berg hat auch Til Schweiger erwähnt. Die Medien hassen Schweiger, hat sie geschrieben. Alle hätten ihn abgeschrieben, würden ihn vorverurteilen. Lange bevor sein Tatort ausgestrahlt war, war das Urteil bereits gedruckt. Vernichtung. Hass.
Das stimmt. Zum Teil. In einem SPIEGEL ONLINE Interview, vor zwei Wochen veröffentlicht, kann man die Wut des Interviewers gegen Schweiger praktisch spüren. Immer wieder die gleichen, quasi-provokativen Fragen. Immer wieder nur Anspielungen, eigene Meinungen und kein Funken journalistischer Finesse. Wenn ich mit einem afrikanischen Warlord spreche, erwartet niemand dass man sich nur über das gute Wetter unterhält, aber Til Schweiger ist kein Warlord. (Gut das ich das nochmal festgehalten habe.) Christian Buß behandelt ihn aber wie einen. Mit Ablehnung von der ersten, ungelenken Frage an. So führt man kein Interview. Jedenfalls keins, welches jemand lesen will. Andererseits: Wer führt heute noch gute Interviews? (Kürzlich war in der, von mir so geliebten, 11 Freunde eine absolute Zeitverschwendung von einem Interview (mit Marko Arnautovic) zu lesen. Christoph Biermann hat sich da wirklich nicht mit Ruhm bekleckert. Keine einzige Information, nicht mal annähernd unterhaltsam waren die Fragen und Antworten. Den mutmaßlichen „Bad Boy“ reduzierte Biermann alleine auf ein schmales Image. Mit den vier Seiten Papier hätte man auch Besseres anstellen können! Erster Tadel! Setzen, drüber nachdenken, nicht noch einmal machen.)
Eigentlich gab es doch mal ne gute Interview-Kultur: Über eines der legendärsten Interviews (Frost/Nixon) wurde sogar ein Film gedreht. Ein guter Film.
Zurück zu Sibylle Berg.

Ja. Es gibt eine Vorverurteilung von Til Schweiger. Aber das macht dem doch nichts aus. Millionen Deutsche rennen in Kokowääh 2, oder kaufen die DVD von Männerherzen. Und das ist gut. Besser als die neue „Big Mamas Haus 6“-DVD zu kaufen, oder? (Auf jeden Fall ist es nicht schlimmer.)
Kommerzieller Erfolg ist Anerkennung. Wozu braucht Schweiger da noch die Anerkennung von den Kritikern und den Wenigen, für die diese Kritiker sprechen? (Und ich wette Schweiger denkt ähnlich.)
Wer sich für den Beruf des Schauspielers entscheidet, entscheidet sich für die Darstellung. Er weiß: Seine Gage kann nur dann gezahlt werden, wenn jemand zusieht wie man spielt und dafür bezahlt. (Soweit waren wir schon.) Und zum Spiel gehört auch das Interview. Wer sich im Interview daneben benimmt kriegt eben in den Medien auf die Fresse.
Und wenn ich meine „daneben benimmt“, meine ich nicht: Mal „Scheiße“ oder „Ficken“ sagen, rülpsen oder die falsche Krawatte tragen. So was verzeiht sogar die Meute, die wir heute so nett „Social Web“, „Social Media“ und ganz allgemein „Internet“ nennen. Ich meine wirklich über die gesamte Distanz verkacken. So richtig. Mit Ansage. So wie es Katja Riemann getan hat. Und dabei auch noch deutlich zeigen: Ich hab keinen Bock!
(Wenn mein Sohn so lustlos und bockig Basketball spielen würde, nachdem ich extra am Sonntagmorgen um halb Neun aufgestanden bin, ihn ins Auto gepackt habe, um bis nach Buxtehude zu fahren, nur um ihn dann vollkommen aggro und als quasi nicht-existenten Flügelspieler auf dem Basketballfeld zu sehen, dann sag ich auch zum Trainer: „Wechsel ihn aus!“ Und zu Floris-Maximilian-Henri Jr.: „Alter! Reiß Dich zusammen. Große Scheiße war das. Ein bisschen mehr Einsatz. Vorhin hat Dich ein Mädchen geblockt. Ein Mädchen! – Oder sieht dieser übergewichtige Junge nur aus wie ein Mädchen? Mit den langen Haaren und dem spitzen, aber Doppelkinn?!? Ich kann das nicht unterscheiden, nicht in dem Alter und nicht bei dem Bauchumfang. Auf jeden Fall hat er Dich geblockt. Verdammt. Geblockt. Zwei Mal! Springen, werfen. Ist das so schwer. Setz Dich auf die Bank. Reiß Dich zusammen. Im dritten Viertel will ich wenigstens ein bisschen Begeisterung sehen. Und wenn Dich das dicke Jungen-Mädchen-Whatever dann blockt. Ist das okay. Aber SO nicht!“)
Wie auch immer: Man kann mit den falschen Fragen eines Interviewers auch anders umgehen. Kürzlich gesehen bei der Post-Oscar-Pressekonferenz von Jennifer Lawrence. Komische Fragen, gute Antworten. Und witzig.
Und Katja Riemann ist doch witzig. Kann sie jedenfalls sein. Sie ist eine großartige Schauspielerin. Brilliert in Nebenrollen, genauso wie in Hauptrollen. Neulich erst in die „Relativitätstheorie der Liebe“ und „Türkisch für Anfänger“. Warum muss man sich da so wundern, wenn man ein Interview verhaut und dann dafür bluten muss. Dann eben kein Interview geben. Geht auch. Kein Bock, kurze SMS – Absage. Und die Sendung findet ohne sie statt. Niemand interessiert sich dafür.

Schauspieler und „Stars“ (buah!) begeben sich auf die Autobahn, die das öffentliche Interesse ist, und versuchen Fahrt aufzunehmen. Sie fahren entweder beständig auf der rechten Spur, versuchen geduldig voran zu kommen, ordnen sich ein. Oder sie überholen ab und an, beweisen Weitsicht. Einige rasen auch, dabei erregen sie natürlich Aufmerksamkeit, werden als rüpelhaft betitelt, aber da sind sie schon weitergefahren (siehe Vettel!). Außer sie bauen einen Crash. Aber kein Autofahrer, der mit 220-Sachen in die Kurve geht und dann aufm Acker landet, beschwert sich hinterher über die Autobahn!
Wenn ein Kritiker Til Schweiger ans Bein pissen will ist das ungefähr so, als würde ein Fiat Punto einen Panzer abdrängen wollen. Nicht die beste Idee des Puntos. Der Panzer rollt so oder so weiter. (Passendes Bild für den Schutzengel Schweiger!)

Apropos Schweiger: Ich hätte ein Interview mit ihm wahrscheinlich anders geführt. Hätte ein paar anerkennende Zahlen zu seinen Filmen herunter gebetet, seine Erfolge betont, bevor ich gefragt hätte: Warum lassen sie nicht alle Journalisten zu Premieren ihrer Kinofilme zu? Haben Sie Angst, oder einfach keinen Bock? Und warum muss ihre Tochter immer ihre Tochter spielen? Sehen sie als Vater überhaupt wie schlecht sie spielt? Und warum liegen sie in jedem Film mit ihr im Bett? (Die letzte Frage nur so als Provokation. Aber ist das noch jemandem aufgefallen? In jedem Schweiger-Film liegt er irgendwann neben seiner Tochter im Bett und philosophiert über irgendwas…)
Wenn das dann vorbei wäre, und mir Til Schweiger die Fresse poliert hätte, würde ich noch etwas zugegeben:
Wie sehr ich mich auch über fehlende Plot-Points, eine saubere Geschichte oder die ewigen Zeitlupen bei „Schutzengel“ aufrege; Wie sehr ich auch seine Tochter untalentiert und schrecklich in ihren Rollen finde; Und wie sehr ich sein diktatorisches Gehabe hasse – hasse wie die Masse, oder jedenfalls die Medien – so sehr unterhalten mich seine Filme doch. Filme mit ihm und von ihm. Seine jüngeren Filme sind toll abfotografiert und immer wieder lustig und gut besetzt. (Und ich kann es irgendwie anerkennen, dass er auch stets seine Freunde besetzt … abgesehen von seiner Tochter. Gab es da wirklich kein Mädchen das besser war? Familie und Freunde besetzten, gut und schön, aber: Spielen sollten sie schon können.)
Zu meinen deutschen Lieblingsfilmen wird immer „Knockin’ on Heavens Door“ gehören. Danke dafür Til Schwieger. Schutzengel 2 guck ich mir wahrscheinlich nicht an, aber so sicher wie ich den nächsten Fast & Furious gucke, mit „Mass Effect 3“ die Nächte verbringe (sobald ich meinen PC aufgerüstet habe, damit dieser Grafikspeicher-Fresser läuft) oder mich an Sibylle Bergs Kolumne auf- und abrege, so sicher guck ich auch den nächsten Tatort mit Til Schweiger. Und bin neidisch: So nen Film will ich auch mal machen. Schöne Bilder und Explosionen. Mit mehr Geschichte drin und so, natürlich. Aber … ich will auch.
Shit. Ich mag den Scheiß.

Die Oscars 2013 sind vergeben, und ich hab nicht eine Wette, sondern gleich zwei gewonnen. Können wir jetzt nicht alle zufrieden sein?
Okay: Am Anfang war Seth MacFarlane unbeholfen, später aber echt witzig. (Nicht so witzig wie er sein kann, aber die Schuhe von Billy Crystal und Jon Stewart hat er ganz gut gefüllt.) Es wurde gesungen und getanzt, und der beste Schauspieler aller Zeiten hat erneut seinen Preis bekommen. So sollte es sein. Oder nicht?

Nein. Wenn es z.B. nach Spiegel-Online geht.
In der Oscar-Nacht hatte der hochmoderne Nachrichtendienst (hüstel) einen Twitter-Ticker und sonst noch so einiges eingerichtet, was man – wenn es ein Dutzend Live-Streams im Internet gibt – auf keinen Fall braucht. Hier wurde sich, in bester Boulevard-Manier, zum Beispiel über die zerzausten Haare von Robert DeNiro lustig gemacht. (Wow. Die journalistische Qualität einer Horde zwölfjähriger Mädchen. Was kommt als Nächstes: Ein Foto-Blog darüber, dass John Goodman so dick ist?)
Und dann, am nächsten Morgen, folgten die Nachbesprechungen und Kommentare und Bewertungen: Es gab zu viele Busenwitze von MacFarlane, zu wenig Zeit für die Dankesreden und sowieso waren alle Entscheidungen der Academy falsch und feige und doof! (Buah … echt jetzt: Könnt ihr das Meckern nicht den unbezahlten Bloggern überlassen?)

Erstmal: Jeder hat eine Meinung zu den Oscars. Das ist normal. Meine Oma, die keinen der Filme gesehen hat, hat eine Meinung. Aber dafür braucht man doch nicht einen Seite-Eins-Platz, auf der frequentiertesten Nachrichtenseite Deutschlands, verschwenden. „Triumph der Feigheit“, wirklich? Geht’s vielleicht ein bisschen kleiner? Wie wäre es mit: „We Love you, we hate you!“ Das spiegelt wenigstens die manisch-depressive Qualität wider, die die pseudo-liberalen, deutschen Leitmedien mittlerweile zu amerikanischer Kultur einnehmen. Wie ein Heroinabhängiger, der von seinen Eltern zur Ausnüchterung ins Kinderzimmer gesperrt wird. „Bitte. Ich will hier raus. Ich liebe euch, ich bin brav. – Ich hasse euch! Fuck you! Arrrrh!“
Da loben Süddeutsche Zeitung, Frankfurter Rundschau und Spiegel „Zero Dark Thirty“ – ein Film der einen Diskurs anstößt (Und Argo sorgt gerade nicht für international Verwicklungen, oder was???) – und werden dann sauer, weil aber „ZDT“ nicht ausgezeichnet wurde. Er ist doch nominiert. Herrgott!
Gefühlte zweitausend Mal wurden Bilder aus „Zero Dark Thirty“ an diesem Abend gezeigt. Reicht das nicht an Werbung? Wer den Film nach dieser Nacht nicht sehen will: Selbst schuld. Und wer ihn gesehen hat. Der hat ihn gesehen. Mehr kann ein Film nicht verlangen: Gesehen werden.

Meiner bescheidenen Meinung nach, waren die Oscars dieses Jahr besonders großartig, weil am Anfang William Shatner auftrat. Und zwar als Captain Kirk.
Shatner hat noch nie einen Oscar gewonnen, war noch nicht mal nominiert. (Zu Unrecht, übrigens!) Trotzdem hat Seth MacFarlane mit seiner Zeitreise-Video-Telefon-Anruf-Nummer bewiesen, dass Star Trek vollkommen im Mainstream angekommen ist. Schon immer war! Jeder hat verstanden worauf er hinaus wollte. Jeder kennt Star Trek. Wirklich jeder kennt Captain Kirk.
Und genau darum geht es: Mainstream.
Die Oscar-Verleihung ist eben nicht das Filmfest in Venedig (mit europäischer Arthaus-Kleinkrämerei), auch nicht Cannes (mit deutlichem Fokus auf möglichst anstößige Filme) oder gar die Berlinale. (Wo dieses Jahr wirklich niemand wusste, was die Berlinale eigentlich war. Was für ein konfuses Programm. Blödelei neben jüdischem Realismus, neben zerreißender, belgischer Tragik und dann noch der Iran … Whaaaat? „Okay, ja. Wir verstehen es: Ihr wollt politisch relevant sein, aber gehört dazu nicht ein gewisser, roter Faden? Also ein durchdachtes Programm?“)
Die Oscars sind eine Show. Eine Show über Filme. Nominiert zu sein, bedeutet: Angekommen zu sein. Gewinnen ist zweitrangig. Deswegen stehen immer wieder in Trailern, über Schauspieler-Namen, auch „Oscar Nominee“. Weil das dann heißt: An diesem Schauspieler kam niemand vorbei. Er ist Mainstream!
Und das ist gut so. Dieses Jahr wurde klar gemacht: Politische Filme („Zero Dark Thirty“ und „Argo“) sind Mainstream. Zuschauer wollen politische Filme sehen. Daneben gab es aber auch eine deutschsprachige Produktion („Liebe“) und einen Indie-Film („Beasts of the Southern Wild“). Großartig. Und die Werbebilder für diese Filme laufen und laufen und laufen den ganzen Abend!

Vierzehn Mal war ein Star Trek-Film schon für einen Oscar nominiert. Vierzehn Mal!
Kein einziger Schauspieler, kein Drehbuchautor und auch kein Regisseur, war unter den Nominierten. Einmal war Jerry Goldsmith für die Musik nominiert (1979, „Star Trek: The Motion Picture“), und einmal ein Kameramann (Don Petermann, 1986 für „Star Trek IV“). Beide gewannen nicht.
2009 gewann Star Trek seinen ersten Oscar. Für die beste Maske. Nominiert war der Film außerdem in den Kategorien „Sound“, „Sound-Schnitt“ und „Visuelle Effekte“, wie die anderen Star Trek-Filme vor ihm.
Bei der gesamtkulturellen Relevanz von Star Trek, müssten die Trekkies … oder Trekker (keine Ahnung wie wir uns offiziell jetzt nennen), doch eigentlich die Wände hochgehen. Wo bleibt der Mut, Chris Pine – in seiner Rolle als junger Captain Kirk – mal einen Oscar zu geben. Hm? Im letzten „Star Trek“, eigentlich der Vorgeschichte zu allen Star Trek-Filmen, ging es um die Unfähigkeit die eigenen Leistungsgrenzen einzugestehen, um mit dieser Einstellung zu wachsen. Kobayashi-Maru.
Während in „Zero Dark Thirty“ die Frage gestellt wird, ob Folter vielleicht notwendig ist, setzt „Star Trek“ dagegen ein klares Nein.
Wir sind begrenzt durch unsere Menschlichkeit, vielleicht durch menschliche Körperlichkeit und Angst. Aber wir werden nicht begrenzt durch unsere Ansprüche an uns. Wir überschätzen uns, und das ist gut so. Sich mehr zuzutrauen, als man in der Lage ist zu leisten: Nur so verschiebt man die Grenzen, auch wenn man an ihnen zerschellt. In „Zero Dark Thirty“ zerschellt die CIA-Agentin an ihrer Regungslosigkeit.
„Zero Dark Thirty“ soll realistisch sein. Realistische, bohrende Fragen stellen.
Stéphane Hessel ist gestorben. Er wurde 95. Ich glaube er hätte, auf die Frage ob man Folter zulassen darf, geantwortet: Empöre Dich! Und verhindere es auf jeden Fall! Sei mehr als man Dir zutraut und als Du selbst für möglich hältst.

Ich bin nicht sauer, wenn der neue „Star Trek – Into Darkness“ nächstes Jahr keinen Oscar gewinnt. Aber eine Nominierung für „Sound“, „Sound-Schnitt“ oder die besten „Visuellen Effekte“ quittiere ich mit einem anerkennenden Nicken.

Star Trek und Star Wars. Das waren die zeitaufwendigsten Themen, die zeitintensivsten Beschäftigungen meiner Jugend.
Daneben gab es zwar Schule und Basketball (allerdings längst nicht so zeitintensiv, wie es sich meine Eltern gewünscht hätten), und Mädchen und … Mädchen (längst nicht so zeitintensiv, wie ich es mir gewünscht hätte). Das mein Zeitaufwand für Star Trek und Star Wars etwas mit der chronischen Abwesenheit, gerade von Mädchen zu tun hatten, wurde mir erst viel zu spät bewusst.
Doch da war es längst zu spät. Zwar kann ich es heute einigermaßen verbergen, aber ich rede immer noch am allerliebsten über die beiden Star-Film-Reihen. Und tatsächlich über beide: Star Trek und Star Wars. Es gibt Leute … Fans … die meinen, man müsse sich entscheiden: Aber ich höre auch Rolling Stones und die Beatles. Blur und Oasis. Travis und Coldplay. Kein Problem.

Neulich hab ich mich gefragt: Wie kommt Darth Vader in „Empire“ eigentlich darauf, nachdem er Luke die Hand abgeschlagen hat, ihm zu sagen: Ich bin dein Vater!
Das ist so, als würde mich mein Vater ne Treppe runter schubsen und mir danach sagen: „Übrigens, Du bist adoptiert.“
Was Vader getan hat echt wirklich gemein. Richtig fies. Und Luke vorher auch noch zu fragen: „Wollen wir nicht gemeinsam die Galaxis regieren?“
„Ja natürlich. Jetzt wo ich keinen Arm mehr habe und ach … mein gesamtes Leben eine Lüge war. Sicher. Los geht’s. Let’s kill some Ewoks!“
Wenn man es so sieht: Vader ist zurecht der Bösewicht. Palpatine war niemals so ein Arsch. Der hat Anakin nicht den Arm abgeschlagen, damit der Samuel L. Jackson aus dem Fenster stößt! Und sind wir mal ehrlich: Eigentlich dürfte Vader am Ende gar nicht in diesen durchsichtigen-Geist-Jedi-Himmel kommen …
(So. Mittlerweile sollten alle Nicht-Fans … also Mädchen … aufgehört haben zu lesen. Da wir nun unter uns sind: Es wird noch nerdiger!)

Nun hat Disney Lucasfilm gekauft. Und nicht mal eine Woche hat es gedauert, da hieß es dann: Episode 7 wird gedreht. Und vielleicht noch mehr Filme. (Hoffentlich machen die bei Disney das nicht wie mit ihrer Aladdin-Reihe … da gab es am Ende zehntausend Abklatsch-Serien und zwei Dutzend „Direct-to-DVD“-Filme.)
Es sollen Spin-Off-Filme zu Boba-Fett, Han-Solo oder Yoda entstehen. Bei Star-Trek wäre das so, als würde man sagen: „Wir drehen einen Kinofilm namens ‚Chekovs Traumreise‘.“ Vielen Dank.
(Bei aller Fairness. So etwas gab es. Jedenfalls fast: Moontrap! Und Bruce Campbell spielt auch mit. Und noch was: Wäre Campbell nicht eigentlich der perfekte Kirk-Verschnitt in Galaxy Quest gewesen? Statt Tim Allen? Alter Schwede wäre das dann ein geiler Film geworden! Was Spaceballs für Star Wars war, hätte Galaxy Quest für Star Trek sein können. Aber ich phantasiere.)
Nun wurde vergangene Woche der Feuchte-Traum aller Lost-&-Star Wars-Fans wahr: J.J. fucking „Fringe“ Abrams … J.J. fucking „Alias“ Abrams … J.J. not so fucking great „Super 8“ Abrams … J.J. „Cloverfield“ Abrams … man könnte ewig so weitermachen. Auf jeden Fall, der Typ der uns kein Ende für „Lost“, kein richtiges Ende und furchtbar verwirrende Zeitsprünge für „Fringe“, und der Typ der uns einen der besten Star Trek – Filme gegeben hat … J.J. Abrams wird bei Episode 7 Regie führen. Tada! Wenn das nicht bei einigen Fans zu nasser Hose führt …
Immerhin gilt Abrams als der Superheld in allen Nerd-Träumen. Und ich muss zugeben: Mission Impossible 3 war großartig. Sein „Star Trek“ war toll … keine Ahnung was Eric Bana in diesem Film als Romulaner gemacht hat, aber der Film sah geil aus. Lense-Flare-Effekte noch und nöcher, Action und Karl Urban als Pille. Hammer! (Und war das Tyler Perry als Admiral? Madea himself? Hat der für seinen Alex Cross geübt?)

Doch irgendwie will sich bei mir nicht recht die Begeisterung einstellen, die ich seit der Verpflichtung von J.J. Abrams empfinden müsste.
Liegt es vielleicht daran, dass ich gar keinen neuen Star Wars – Film sehen will?
Kann das sein? Wie war das damals? In der ersten Mitternachtspremiere meines Lebens.
Episode I. Und es wurde geklatscht, schon als das Lucasfilm-Logo aufblendete.
Und dann: Ein furchtbarer Film. Furchtbar. Soviel war mir nach dem ersten Mal, und ist mir auch nach dem zwanzigsten Mal klar.
Ja. Ich habe Episode I – auch in der normalen, mit JarJar-Bings-Fassung – mehr als zwanzig Mal gesehen. Einfach weil er dazu gehört. Und weil George Lucas ihn gemacht hat. George Lucas. Er hat mit Star Wars eine Familiengeschichte erfunden. Vielleicht ist das sogar der springende Punkt.
Das ist die Unterscheidung von Star Wars und Star Trek: Star Wars war immer auf die Charaktere bezogen. Immer auf die Familie Skywalker. Deswegen heißt Lucas Anwesen auch „Skywalker Ranch“ und nicht „Star Wars Ranch“. Weil es um Luke und Leia und ihrem Drecksack von Vater, Darth Vader geht.
Bei Star Trek ging es immer um die ganze Crew. Ja. Da ging es auch um Kirk und Spock. Aber die waren Arbeitskollegen. Im Grunde während der gesamten Serie. Erst später – so ab Star Trek II – dann auch Freunde. Eben der normale Gang. Es war wie im Büro. Wenn Du nur oft genug, nach einer Weihnachtsfeier, neben nem Kollegen in der gemeinsamen Kotzelache aufgewacht bist, dann wird man Freunde.
Star Wars war immer eine Familiengeschichte. Eine zerrüttete zwar, mit dem disfunktionalen Vater/Schrägstrich/Peiniger Darth „Anakin klingt zu niedlich, deswegen heiß ich nur ohne Maske so“ Vader.

Diese Familiensaga – deswegen auch Star Wars-Saga – war mythischer und tiefenpsychologischer. Die Figuren in Star Trek sind immer am Weltraum, an einer „realistischen“ (hihi. Genau. In der Zukunft gibt es kein Geld!!!) Zukunftsvision interessiert. Eine Utopie. Und keine Dystopie eines Vaters, der seinen Sohn verstümmelt und dann seiner Tochter habhaft werden will, nur um sie einem alten Greis im schwarzen Mantel mit weißer Papier-Haut anzuvertrauen, um alle auf die „dunkle Seite“ (was nur anal sein kann!) zu ziehen. Happy-End? Wieviel Probleme hat sich Han wohl mit Leia ins Haus geholt? Und dann die pseudo-sexuelle Beziehung von Luke und Leia. Geschwisterliebe á la „Verbotene Liebe“! Na, kein Wunder. Bei dem Vater.
Wie dem auch sei. Genau wegen dieser Unterscheidung (Arbeiter-Freundschaftsromantik versus Space-Opera) kann ich auch ganz klar sagen: Ich mag beides. Star Wars und Star Trek. Klar hab ich mehr Stunden mit Star Trek verbracht – gab ja auch mehr zu sehen, der Weltraum ist groß – aber nichts knallt so in den Ohren, wie der „Imperial March“ von John Williams. Was das Visuelle angeht, war Star Wars schließlich immer einen Schritt voraus. (Aber immerhin hat Kirk Spock nie lasziv gefragt: „Na? So jung, und schon bei der Sternenflotte?“)

Was ich sagen wollte (bevor ich Schaum vor dem Mund hatte): J.J. Abrams dreht also Star Wars Episode 7. Und alle drehen durch. Ja, der kann das. Der ist gut. – Okay. Stimmt. Er kann Geschichten erzählen. Schnell und eifrig und meistens mit zu vielen Geheimnissen und Sub-Plots … egal.
Muss ich aber Star Wars von ihm sehen? Muss das sein? Die Geschichte von Darth, Luke und Leia, die gesamte Skywalker-Familiensaga ist doch beendet. Außer Leia dreht durch und verprügelt ihre Kinder, weil ihr klar wird das ihr Vater ihre Mutter umbrachte und dann auch daneben stand, als ihre Zieheltern umgebracht wurden … kann doch nichts mehr passieren. Oder?
Star Trek wird dagegen nie auserzählt sein: Deswegen freu ich mich jetzt auch schon auf „Into the Darkness“. J.J. Abrams hat die visuelle Kraft – die Star Trek unter Jonathan Frakes irgendwie verloren hatte (kein Wunder – der hat ansonsten nur „Clockstoppers“ gemacht. Clockstoppers!!!) – zurückgewonnen. So wie damals bei Star Trek – Der Film. Angelehnt an „2001“. Es war eine bildgewaltige, philosophische Welt. Und J.J. Abrams hat vielleicht etwas von der Philosphie genommen, aber er hat beeindruckende Bilder zurück gebracht.
Danke. Ernsthaft. Und Benedict Cumber-Sherlock als Khan (!?!) im neuen Trailer … großartig.
Aber Star Wars? Mit Lense-Flare? Star Wars sah doch schon immer gut aus. (Mal abgesehen von Yoda in der Kinofassung von Episode I. Ich hab den Schnitt nicht mehr bekommen, mittlerweile haben sie ja einen CGI-Yoda in die DVD-Fassung eingesetzt, aber da war ganz sicher eine echt hässliche Puppe drin! Richtig hässlich! Wie ein Gremlin.)

Warum nicht etwas anderes ausprobieren? Einen anderen Regisseur, jemanden der nicht schon zwei Franchises (Star Trek (Three-Picture-Deal) & Mission Impossible (eine Fortsetzung muss noch her!)) im Sack hat. Der vielleicht was probiert.
Gene Roddenberry hat damals mit Star Trek eine mutige Zukunftsvision entworfen. Und ist erst mal gescheitert. Re-Runs auf kleinen, lokalen Fernsehsendern hauchten einer toten Serie neues Leben ein. Und haben das mit zu verantworten, was im Mai wieder mal ins Kino kommt.
George Lucas hat damals mit „A New Hope“ mutig eine Space-Opera inszeniert, die niemand wirklich haben wollte. Die ersten Kameramänner haben ihm abgesagt, Schauspieler wollten lieber nicht mitmachen (Warum sollte man sich sonst für Mark Hamill entscheiden?), die ersten Kritiken waren vernichtend. Und jetzt?
Bei Episode I, II & III war die Fanbase da und hat einen finanziellen Absturz, trotz schlechter Filme, verhindert. Aber jeder gibt zu: So wirklich super-duper-geil war die neue Trilogie nicht.

Der Letzte, der wirklich Mut bewiesen hat, war Andrew Stanton. (Ja. Ich meine den Typen der Nemo und Wall-E gemacht hat.) Und ist damit kolossal gescheitert. Und ich meine wirklich kolossal. Der 250-Millionen-Sciencen-Fiction-Gigant „John Carter“ war ein Millionengrab, welches den Studiochef von Disney zum Rücktritt zwang. Warum auch immer. (Wenn Du jemanden nach Zahlen einstellst, solltest Du dann nicht ein anderes Unternehmen, als ein Filmstudio leiten? Lässt sich nicht in fast jeder Branche mehr und gezielter Geld verdienen, als mit Filmen?)
Andrew Stanton kreierte, basierend auf dem über 100 Jahren alten Buch von Edgar Rice Burroughs – der, wie Jules Verne und H.G. Wells eine Zukunft der Weltraumfahrt mit Dampfmaschinen beschrieb – eine nicht alltägliche Science-Fiction-Welt. Keine fliegenden Autos (die alle wie der Prius aussehen) und keine hypermodernen Tablet-Computer (die dann doch nur das iPad-3 nachstellen). Okay, „John Carter“ war vielleicht zu lang. Aber mutig. Eine phantastische Welt, großartig in Szene gesetzt. Aber leider viel zu verspielt für ein Publikum, dass Expendables 2 zum erfolgreichsten Stallone-Film seit … eigentlich den besten Stallone-Filme aller Zeiten macht!
Und alle hacken auf „John Carter“ herum, und wenn sie nicht auf dem Film, dann hacken sie auf seinen Einspielergebnissen herum … oder eben gerade Nicht-Einspielergebnissen.

Aber jetzt freuen sich alle auf J.J. fucking „Episode 7“ Abrams. Als könnte er mit dem beliebtesten Franchise der Welt einen Fehler machen. Warum häuft er wohl Franchises? Weil er weiß: Die Fans sind schon da. Niemand kannte „John Carter“, und wenn den Namen mal jemand kannte … aus dem Buch „Princess of Mars“, dann war dieser jemand schon seit Jahren tot. Also schlecht über eine Facebook-Fan-Kampagne zu erreichen.
Mal aufgefallen: Es gibt keine Franchises mehr, die aus Filmen geboren werden. Twilight … war ein Buch. Harry Potter auch. Der Hobbit. Avengers, Iron Man, Thor, Hulk … Batman (!) … alles Comics. Lediglich The Fast and the Furious … okay. Die berühmte Ausnahme. Oder The Expandables. Aber wirklich große Science-Fiction oder Fantasy … nur nach Buchvorlage oder mit einer soliden Comic-Fan-Basis.
Warum legt man Star Wars nicht mal in die Hände eines unbekannteren Regisseurs, eines unbekannteren Autoren. George Lucas war vor Star Wars unbekannt. Jetzt könnte ein junger Regisseur dem Ganzen neuen Wind geben. Was ist zum Beispiel mit Shane Carruth? Der Typ der „Primer“ gemacht hat? Hm? Oder Andre Ovredal. Der Regisseur von „Trollhunter“? Glaubt niemand das solche Typen Star Wars noch eine Dimension hinzufügen könnten? Vielleicht sogar etwas entdecken, etwas erzählen was wir so noch nie erzählt bekamen?
Was ist mit Gareth Edwards? Seit Jahren sitzt der an der Vor-Produktion zum neuen Godzilla-Film. Vielleicht sind Monster nicht sein Ding. Der kriegt bestimmt auch Lichtschwerter ordentlich in ne Szene integriert.

Was ich damit sagen will: Ich möchte ins Kino gehen und von Science-Fiction nicht nur unterhalten, ich will begeistert und mitgerissen werden! Und das nicht wie bei „Lost“, mit nicht-aufhören wollenden Cliffhangern, sondern wie bei „2001“ … durch meine pure Vorstellung, genährt von tollen Bildern und großen Fragen.

Als ich jung war, investierte ich – zum Leidwesen meiner Eltern – nicht sehr viel Zeit in Schule oder Basketball. So wurde ich auch nie wirklich gut darin Dingen. Mit Mädchen war es ähnlich. (Ich könnte auch eine Reihe von Zeuginnen anführen, die dies gerne bestätigen.)
Doch die eine Sache, die ich ganz ohne falschen Stolz als mein Steckenpferd bezeichnen kann, ist eine Faszination für Science-Fiction. Ob es um Figuren, Familiengeschichten, Freundschaften oder den Weltraum und die großen Fragen dahinter geht.
Bei Mädchen, Schule und Basketball ist es vielleicht zu spät, aber Science-Fiction werde ich nicht einfach so aufgeben. Hier ist Arbeit zu verrichten. Gute Filme unterstützen, mutige Filme machen. Und wenn man nicht weiß wo man anfangen soll, dann eben ganze einfach damit, sechs Mal die Bluray von „John Carter“ zu kaufen. Ich krieg den Film schon noch ins Plus. Und wenn Disney das merkt, dann trauen sie sich vielleicht auch wieder was.

Hin und wieder kommt es vor, dass sich Kritik an den Kritikern rührt. Vor allem passiert das auf den abgeschiedenen, trockenkalten Seiten des Feuilletons, in verwinkelten Artikeln unter dem Reiter „Kultur“ auf Nachrichtenportalen oder in vielen, vielen, sehr vielen Blogs.
Diese Kritik, sozusagen der zweiten Ordnung, wird vorrangig dann angestellt, wenn ein Kulturphänomen gesellschaftsrelevante Züge annimmt, also groß wird. (Oder jedenfalls danach aussieht.)
Wie zuletzt bei der Debatte um „Wetten dass..?“ ohne Gottschalk oder die neue Staffel des Dschungelcamps. Letztendlich sah man bei beiden Themen ein, dass viel zu viel über sie geschrieben wurde und das nichts oder zu wenig dabei heraus kam, um all den Aufwand (die Seiten echtes oder virtuelles Papier) zu rechtfertigen. Also rückte der Aufwand selber, und diejenigen die den Aufwand betrieben in den Fokus. Die Kulturredakteure und Journalisten, die scheinbar selbst dem gierigen Konsum von Massenware verfallen waren und dabei vergessen hatten: Sie sind nicht dazu da Gemeinplätze in Stone Serif und Mirage zu kommunizieren.
Wirklich viel Kritik wurde natürlich nicht an den Kritikern geübt. Und die Kritiker die es taten, waren sofort Kulturpessimisten (Intern: Nestbeschmutzer). Und dann verschwanden sie wieder, unaufgeregt und unbeachtet wie zuvor.

Gute Kritik ist schwierig. Weil sie viel Arbeit und noch mehr Wissen voraussetzt.
Gute Kritik ist allerdings auch wichtig, weil sie hilft Kulturprodukte einzuordnen und weil Kritik selbst ein Kulturprodukt ist. Sie muss natürlich gut geschrieben, recherchiert und vor allem inspiriert sein.
Gute Kritik zeichnet sich durch scheinbare Objektivität aus. Durch einen Willen jedenfalls, sich möglichst objektiv einem Kulturthema/Kulturprodukt zu nähern, es zu betrachten, es einzuordnen, es abzuwiegen, seine Relevanz zu bewerten, thematische wie stilistische Merkmale zu erkunden. Gute Kritik ist also kein Spaziergang. (Jedenfalls kein Spaziergang bei schönem Wetter.)

Phillip Stadelmaier schrieb einen Artikel über „The Impossible“, den Film zur Tsunami-Katastrophe in Thailand 2004 (Süddeutsche Zeitung, 1. Februar).
Dabei bediente sich Stadelmaier kaum Argumenten oder gar Wissen/Einsicht um seine abfällige Meinung dem Film gegenüber zu begründen, sondern pflückte die Meinung und gebrüllte Abneigung Anderer aus der Luft und legte sie in seinen Text:
Stadelmaier besuchte eine „Sneak Preview“, also einen Kinogänger-Blindflug, und nutzte die Anwesenden als seine Legitimationsgruppe für eine Abwertung und Anklage von „The Impossible“.

Erstmal scheint es eine gute Idee der „Sneak Preview“, ein wöchentliches Phänomen überall im Land, eine journalistischen Betrachtung angedeihen zu lassen.
Man könnte über lokale Unterschiede schreiben, über die Fähigkeit von guten Theaterleitern ein gewisses Publikum zu kultivieren. Man könnte über die Party-Kultur in einem „Sneak-Preview“-Saal schreiben, über die Filmsnobs, die nur da sind um ihre negative Meinung über die Auswahl bestätigt zu sehen, oder die Begeisterten, die sich auch nicht von der Möglichkeit eines B-Horrorfilms abschrecken lassen (das diese Möglichkeit besteht, zeigt sich in der generellen Altersfreigabe für „Sneak Previews“ von FSK 18). Man könnte über Gewinnspiele im Kinosaal sprechen, die als Motivationsgrund immer wieder Besucher am Montagabend ins Kino locken, oder man schreibt darüber das die richtig großen Filme niemals ge-„sneak previewed“ werden. Warum nicht? „Sneak Previews“ sind eben doch nur Werbeveranstaltungen.
Doch Stadelmaier flüchtet sich in Verallgemeinerungen, Vorurteile und Oberflächlichkeiten. Er teilt das Publikum in betrunkene Jungs-Gruppen und Tupperware-mitbringende-Sparfüchse. Das war es. Wow. Mit ähnlicher Trennschärfe unterscheidet man Männer und Frauen auf öffentlichen Toiletten.

Und dann die Bewertung von „The Impossible“. Stadelmaier glaubt in der grölenden Masse eine Müdigkeit gegenüber emotional aufgeladenen, schulischen Bildern zu sehen. Glaubt im Kommentarwahn der Masse eine allgemeine Erkenntnis in der Bevölkerung zu filmischen Mitteln zu erkennen. Als wäre die Youtube-Kommentar-Generation besonders selbstreferentiell und erkenntnisreich. (Siehe: Sprichwörtlich alle Kommentare zu YouTube-Videos. Egal welches Thema, egal was für ein Video. Selbst unter Katzenvideos steht: „Fuck you, Du scheiß Katzen-Schlampe!“ Sehr erleuchtet, diese Leute. Erzähl mir mehr!)
Wenn in „The Impossible“ die auf den Fluten treibende Cola-Dose vom Publikum belacht wird, glaubt Stadelmaier das hier simple Konsumkritik erkannt und verspottet wird. Und wenn der weinende Kinderdarsteller vom offensichtlich falschen Publikum ausgebuht wird, sieht Stadelmaier einen Aufbruch des Zuschauers in postmoderne Gefilde und seine theoretisierte „Bildermüdigkeit“ bestätigt.
Bestimmt, Phillip. Ganz bestimmt.

Filme haben ihr Publikum, genauso wie es Theaterstücke und Musiker haben.
Die Aufgabe des Kritikers ist es eben nicht ein Publikum zu sein. Dafür wird man bezahlt, nicht dafür sich in eine „Sneak Preview“ zu setzen und hinterher zu protokollieren wie schön es war mit den Bekloppten in Richtung Leinwand zu schreien und sich als Feind des Kino-MoWs zu outen. Danke Stadelmaier, schreib lieber weiter offensichtliche Kritiken über „Schutzengel“. (War sehr aufschlussreich was da stand: Aha. Eine Soldatenbiografie von Til Schweiger die pro Krieg ist. Hm? Wirklich? Wie wäre es mit einem ähnlichen Artikel über „Der Hobbit“? Lass mich raten: Er war wunderbar, aber nicht so gut wie „Herr der Ringe“. Danke!)

1954 veröffentlichte Francois Truffaut als Kritiker seinen ersten Artikel zur Auteur-Theorie. Diese Theorie setzt Filmemacher, besonders Autorenfilmer, mit ihren Werken in den Kontrast zu Produzenten-Filmen. Sie geht davon aus, dass man Filme nicht grundsätzlich nur nach inhaltlichen oder formalen Gesichtspunkten beurteilen und besprechen sollte. Es ist an den Filmkritikern, so Truffaut, sich auf die Suche nach tieferen Schichten eines Films zu begeben. Schichten die ein Filmemacher anlegt, manchmal ohne Wissen des Zuschauers. Der Kritiker soll danach forschen. Das sei er seinen Lesern schuldig!

Jee-woon Kim war einmal so ein Autorenfilmer. Er schrieb das Buch zu „A Bittersweet Life“ und „Der Fluch der 2 Schwestern“ und führte bei beiden Filmen Regie.
Kim hat mich besonders mit „A Bittersweet Life“ beeindruckt. In erster Linie ist es ein Gangsterfilm, so wurde er in Deutschland auch vermarktet. Geradezu klassisch. Ein Gangster wird nach einer moralischen Handlung verbannt und beinahe getötet. Anschließend rächt er sich. Doch „A Bittersweet Life“ geht noch weiter. Der Film zeigt eine gespaltene Welt. Südkorea, gerade Seoul, ist eine Welt der glatten, glänzenden und antiseptischen Oberflächen. Die Schattenwelt, in der sich die Hauptfigur Sun-Woo in „A Bittersweet Life“ bewegt, ist in dieses edle und teure Gewand gehüllt. Sie überstrahlt damit fast das dreckige Geschäft. Dieses wird erst deutlich heraus gehoben, als der Held aus der strahlenden Welt verbannt wird. Wie ein Engel fällt er sprichwörtlich in den Morast. Die Entscheidung für Moral befleckt das Leben von Sun-Woo nachhaltig, er wird sterblich. Jee-woon Kim spielt leichtfüßig mit einer grundsätzlichen Dualität. Gut und Böse. Bitter und Süß. Humor und Gewalt. Liebe und Hass.
Jee-woon Kim führte auch beim neuen Film von Arnold Schwarzenegger Regie. (Ein Zeichen für die typischen Hollywood-Rekrutierungspolitik. Darüber sollte man mal was schreiben, Phillip!)
„The Last Stand“ wurde, gerade in den deutschen Medien, nicht gerade zurückhaltend verrissen. Und man kann erst mal nichts dagegen sagen: Die Story ist einfach. Ein Sheriff, ein Dorf, ein entflohener Kartellboss. Irgendwoher kennt man das schon. Ein absoluter Produzenten-Film eben. Dann auch noch Arnold Schwarzenegger als Hauptdarsteller, einen Bösewicht spielt Peter Stormare, Johnny Knoxville den Waffennarren mit gutem Herz und Forest Whitaker den FBI-Agenten.
Guckt man sich den Film dann aber an, bemerkt man kleine Momente die deutlich auf einen Autoren am Werk hinweisen (sowohl am Buch, als auch auf dem Regie-Stuhl): Schwarzeneggers Deputy verletzt sich mit einer Pistole, absolut selbstverantwortlich. Später sterben dutzende Menschen durch Waffen, aber niemals ist die Wucht einer Waffe so spürbar wie in dieser Szene. Man spielt eben nicht mit Waffen. Waffen sind für uns gefährlich – nicht so für den Übermenschen Schwarzenegger.
Anschließend nimmt sich Jee-woon tatsächlich Zeit für eine gewisse Charakterzeichnung. Luis Guzman, zum Beispiel, nimmt mit seiner Rolle als älterer Deputy nie wirklich Abstand von notorisch tollpatschigen Rollen der Vergangenheit. Aber er wirkt manchmal fast ernst. Ein trauriger Clown. Und dank des großartigen Synchronsprechers Thomas Danneberg addiert sich zu Arnold Schwarzenegger – wie eigentlich in all seinen Filmen – über die Stimme sogar so etwas wie Charakter. Ein Charakter den sein blechernes Spiel im Englischen vermissen lässt.
(An dieser Stelle ein kurzer Dank an die tapfere Synchronkultur in Deutschland. Hier wird immer schlechter bezahlt, und deswegen auch immer schlechter produziert, aber manchmal können hervorragende Sprecher doch noch etwas herausholen. Danke! Über euch sollten Filmkritiker mal schreiben! Stadelmaier???)
„The Last Stand“ ist kein großartiger Film. Nicht mal im Ansatz ein guter Film mit Arnold Schwarzenegger. Und Jee-woon Kim kann man nur wünschen, dass er beim nächsten Film wieder selbst schreiben darf und zurück nach Südkorea kehrt. Trotzdem:
An „The Last Stand“ waren drei Autoren beteiligt (typisch für Produzenten-Filme, bei denen man die Massenkompatibilität durch professionelle Pens-for-Hire sicherstellen will). Der eher unbekannte Andrew Knauer verkaufte so seine Idee und die erste Drehbuchfassung. Man erkennt in der Geschichte sogleich auch Momente von Interesse und Begeisterung für Story und Charaktere – diese wurden dann zwar leicht durch die Überarbeitung von Jeffrey Nachmanoff verwässert, doch auch der Autor von „Traitor“ scheint sein Interesse an Handlung und Personen nicht komplett verloren zu haben. Geschuldet ist das vielleicht auch dem Story Supervisor George Nolfi („Der Plan“).
Alles in allem: Wenigstens ein unterhaltsamer Film. Wenn man sich die Zeit nimmt hinzusehen. Wenigstens 90 Minuten.

Ich weiß nicht in wie weit Juan Antonio Bayona mit seinem Liebelingsautor Sergio G. Sanchez (mit dem er schon den wunderbar-schauderhaften „Das Waisenhaus“ gemacht hat) vielleicht in „The Impossible“ Geschlossenheit in der Handlungsvermissen lässt, wie viele bemühte Bilder er aufzieht oder wie wenig er sich für seine Figuren interessiert. Ich habe den Film noch nicht gesehen. Aber ich erwarte von Filmkritikern eine gewisse Auseinandersetzung. Ich erwarte einen interessierten Blick. Gerade wenn sie für ihre Meinung bezahlt werden, und zwar auch von mir. (Ja. Monetäre Argumente sind problematisch. Na und? So ist auch die Frage ob man die Sklaverei in einer Action-Comedy behandeln darf – hat niemanden daran gehindert Tarantino über den grünen Klee zu loben!) Etwas mehr Einsatz und Arbeit. Mehr will ich gar nicht.
Und was „The Impossible“ angeht: Den guck ich mir auf jeden Fall an. Und auf jeden Fall nicht in einer „Sneak Preview“.